Larawan: Courtesy Naturhistorisches Museum

Ang iyong iskultura ng kasaysayan ng sining, ang maliit na pigurin na ito na may sukat na higit sa apat na pulgada ang taas ay natuklasan sa Austria noong 1908. Walang nakakaalam kung anong function nito, ngunit ang hula ay mula sa fertility goddess hanggang sa masturbation aid. Iminumungkahi ng ilang iskolar na maaaring ito ay isang self-portrait na ginawa ng isang babae. Ito ang pinakasikat sa maraming mga bagay na mula sa Old Stone Age.

Larawan: Courtesy CC/Wiki Media/Philip Pikart

Ang larawang ito ay naging simbolo ng kagandahang pambabae mula noong una itong nahukay noong 1912 sa loob ng mga guho ng Amarna, ang kabiserang lungsod na itinayo ng pinakakontrobersyal na Pharaoh ng kasaysayan ng Sinaunang Egyptian: Akhenaten. Ang buhay ng kanyang reyna, si Nefertiti, ay isang misteryo: Ipinapalagay na siya ay namuno bilang Pharaoh nang ilang panahon pagkatapos ng kamatayan ni Akhenaten—o mas malamang, bilang co-regent ng Batang Hari na si Tutankhamun. Naniniwala ang ilang Egyptologist na siya talaga ang ina ni Tut. Ang stucco-coated limestone bust na ito ay inaakalang gawa ng Thutmose, ang iskultor ng korte ng Akhenaten.

Larawan: Courtesy CC/Wikimedia Commons/Maros M raz

Natuklasan noong 1974, ang Terracotta Army ay isang napakalaking cache ng mga estatwang luad na inilibing sa tatlong malalaking hukay malapit sa libingan ni Shi Huang, ang unang Emperador ng Tsina, na namatay noong 210 BC. Inilaan upang protektahan siya sa kabilang buhay, ang Army ay pinaniniwalaan ng ilang mga pagtatantya na may bilang na higit sa 8,000 mga sundalo kasama ang 670 mga kabayo at 130 mga karo. Ang bawat isa ay life-size, bagaman ang aktwal na taas ay nag-iiba ayon sa ranggo ng militar.

Larawan: Courtesy CC/Wiki Media/LivioAndronico

Marahil ang pinakatanyag na iskultura ng sinaunang Romano,Laocoön at Kanyang mga Anakay orihinal na nahukay sa Roma noong 1506 at inilipat sa Vatican, kung saan ito naninirahan hanggang ngayon. Ito ay batay sa mito ng isang Trojan priest na pinatay kasama ang kanyang mga anak na lalaki sa pamamagitan ng sea serpents na ipinadala ng sea god na si Poseidon bilang kabayaran sa pagtatangka ni Laocoön na ilantad ang daya ng Trojan Horse. Orihinal na inilagay sa palasyo ni Emperor Titus, ang kasing-laki ng buhay na makasagisag na grupong ito, na iniuugnay sa isang trio ng mga Griyegong iskultor mula sa Isla ng Rhodes, ay walang kapantay bilang isang pag-aaral ng pagdurusa ng tao.

Larawan: Courtesy CC/Wikimedia/Livioandronico2013

Isa sa mga pinaka-iconic na gawa sa lahat ng kasaysayan ng sining, ang David ni Michelangelo ay nagmula sa isang mas malaking proyekto upang palamutihan ang mga buttress ng dakilang katedral ng Florence, ang Duomo, na may isang grupo ng mga figure na kinuha mula sa Lumang Tipan. AngDaviday isa, at aktwal na nagsimula noong 1464 ni Agostino di Duccio. Sa loob ng sumunod na dalawang taon, nagawa ni Agostino na alisin ang bahagi ng malaking bloke ng marmol na tinabas mula sa sikat na quarry sa Carrara bago huminto noong 1466. (Walang nakakaalam kung bakit.) Kinuha ng isa pang artista ang malubay, ngunit siya rin, tanging nagtrabaho ito sa madaling sabi. Ang marmol ay nanatiling hindi nagalaw sa susunod na 25 taon, hanggang sa ipinagpatuloy ni Michelangelo ang pag-ukit nito noong 1501. Siya ay 26 taong gulang noong panahong iyon. Nang matapos, ang David ay tumimbang ng anim na tonelada, ibig sabihin ay hindi ito maiangat sa bubong ng katedral. Sa halip, ito ay ipinakita sa labas lamang sa pasukan sa Palazzo Vecchio, ang town hall ng Florence. Ang pigura, isa sa mga purong distillation ng High Renaissance style, ay agad na niyakap ng publiko ng Florentine bilang simbolo ng sariling paglaban ng lungsod-estado laban sa mga kapangyarihang nakahanay laban dito. Noong 1873, angDaviday inilipat sa Accademia Gallery, at isang replica ang na-install sa orihinal nitong lokasyon.

Larawan: Courtesy CC/Wiki Media/Alvesgaspar

Kinilala bilang isang nagmula ng istilong High Roman Baroque, nilikha ni Gian Lorenzo Bernini ang obra maestra na ito para sa isang kapilya sa Simbahan ng Santa Maria della Vittoria. Ang Baroque ay hindi mapaghihiwalay na nauugnay sa Kontra-Repormasyon kung saan sinubukan ng Simbahang Katoliko na pigilan ang pag-usbong ng Protestantismo sa Europa noong ika-17 siglo. Ang mga likhang sining tulad ng kay Bernini ay bahagi ng programa upang muling pagtibayin ang dogma ng Papa, na mahusay na inihatid dito ng henyo ni Bernini para sa pag-imbak ng mga relihiyosong eksena na may mga dramatikong salaysay.Ecstasyay isang halimbawa ng punto: Ang paksa nito—si Saint Teresa ng Ávila, isang Espanyol na madre ng Carmelite at mistiko na sumulat tungkol sa pakikipagtagpo niya sa isang anghel—ay inilalarawan nang malapit nang bumulusok ang anghel ng palaso sa kanyang puso.Ecstasy's erotic overtones ay hindi mapag-aalinlanganan, pinaka-malinaw sa madre's orgasmic expression at ang writhing tela wrapping parehong figure. Isang arkitekto bilang isang artista, si Bernini ay nagdisenyo din ng setting ng Chapel sa marmol, stucco at pintura.

Larawan: Courtesy The Metropolitan Museum of Art/Fletcher Fund

Ang Italyano na artista na si Antonio Canova (1757–1822) ay itinuturing na pinakadakilang iskultor noong ika-18 siglo. Ang kanyang gawa ay nagpapakita ng Neo-Classical na istilo, gaya ng makikita mo sa kanyang rendition sa marmol ng Greek mythical hero na si Perseus. Si Canova ay aktwal na gumawa ng dalawang bersyon ng piraso: Ang isa ay naninirahan sa Vatican sa Roma, habang ang isa ay nakatayo sa European Sculpture Court ng Metropolitan Museum of Art.

Larawan: Ang Metropolitan Museum Of Art

Habang ang master ng Impresyonista na si Edgar Degas ay kilala bilang isang pintor, nagtrabaho din siya sa iskultura, na gumagawa ng kung ano ang arguably ang pinaka-radikal na pagsisikap ng kanyang oeuvre. Degas fashionedAng Maliit na Labing-apat na Taong Mananayawsa labas ng wax (kung saan ang mga kasunod na bronze na kopya ay inihagis pagkatapos ng kanyang kamatayan noong 1917), ngunit ang katotohanan na si Degas ay nagsuot ng kanyang eponymous na paksa sa isang aktwal na costume ng ballet (kumpleto sa bodice, tutu at tsinelas) at peluka ng tunay na buhok ay nagdulot ng isang pakiramdam kapagmananayawdebuted sa Sixth Impressionist Exhibition ng 1881 sa Paris. Pinili ni Degas na takpan ang karamihan sa kanyang mga palamuti sa waks upang tumugma sa iba pang mga tampok ng batang babae, ngunit pinanatili niya ang tutu, pati na rin ang isang laso na nakatali sa likod ng kanyang buhok, tulad ng mga ito, na ginagawa ang pigura na isa sa mga unang halimbawa ng nahanap na bagay. sining.mananayawang tanging eskultura na ipinakita ni Degas sa kanyang buhay; pagkamatay niya, mga 156 pang halimbawa ang natagpuang nanghihina sa kanyang talyer.

Larawan: Courtesy Philadelphia Museum of Art

Habang iniuugnay ng karamihan sa mga tao ang mahusay na iskultor na Pranses na si Auguste RodinAng Nag-iisip, ang grupong ito na gumugunita sa isang insidente noong Daang Taon na Digmaan (1337–1453) sa pagitan ng Britain at France ay mas mahalaga sa kasaysayan ng eskultura. Inatasan para sa isang parke sa lungsod ng Calais (kung saan ang isang taon na pagkubkob ng mga Ingles noong 1346 ay inalis nang ang anim na matatanda ng bayan ay nag-alok ng kanilang sarili para sa pagbitay kapalit ng pagliligtas sa populasyon),Ang mga BurghersIniiwasan ni Rodin ang format na tipikal ng mga monumento noong panahong iyon: Sa halip na mga figure na ihiwalay o itinambak sa isang pyramid sa ibabaw ng isang matataas na pedestal, tinipon ni Rodin ang kanyang mga paksang kasing laki ng buhay nang direkta sa lupa, na kapantay ng manonood. Ang radikal na hakbang na ito tungo sa realismo ay bumagsak sa kabayanihan na pagtrato na karaniwang ibinibigay sa mga gawaing panlabas. SaAng mga Burghers, ginawa ni Rodin ang isa sa mga unang hakbang patungo sa modernong iskultura.

Larawan: Courtesy CC/Flickr/Wally Gobetz

Noong 1912, lumikha si Picasso ng isang karton na maquette ng isang piraso na magkakaroon ng malaking epekto sa sining noong ika-20 siglo. Gayundin sa koleksyon ng MoMA, naglalarawan ito ng isang gitara, isang paksang madalas ginalugad ni Picasso sa pagpipinta at collage, at sa maraming aspeto,Gitarainilipat ang mga diskarte sa cut at paste ng collage mula sa dalawang dimensyon patungo sa tatlo. Ginawa nito ang parehong para sa Cubism, pati na rin, sa pamamagitan ng pag-assemble ng mga flat na hugis upang lumikha ng isang multifaceted form na may parehong depth at volume. Ang inobasyon ni Picasso ay ang pag-iwas sa kumbensyonal na pag-ukit at pagmomodelo ng isang iskultura mula sa isang solidong masa. sa halip,Gitaraay pinagsama-sama tulad ng isang istraktura. Ang ideyang ito ay umuugong mula sa Russian Constructivism hanggang Minimalism at higit pa. Dalawang taon matapos gawin angGitarasa karton, ginawa ni Picasso ang bersyong ito sa snipped na lata

Larawan: Ang Metropolitan Museum Of Art

Mula sa mga radikal na simula nito hanggang sa huling pasistang pagkakatawang-tao nito, ginulat ng Italian Futurism ang mundo, ngunit walang kahit isang akda ang nagpakita ng matinding delirium ng kilusan kaysa sa iskulturang ito ng isa sa mga nangungunang ilaw nito: Umberto Boccioni. Nagsimula bilang isang pintor, lumipat si Boccioni sa pagtatrabaho sa tatlong dimensyon pagkatapos ng 1913 na paglalakbay sa Paris kung saan nilibot niya ang mga studio ng ilang avant-garde sculptor noong panahong iyon, tulad nina Constantin Brancusi, Raymond Duchamp-Villon at Alexander Archipenko. Si Boccioni ay nag-synthesize ng kanilang mga ideya sa dinamikong obra maestra na ito, na naglalarawan ng isang striding figure na itinakda sa isang "synthetic continuity" ng paggalaw gaya ng inilarawan ni Boccioni. Ang piraso ay orihinal na ginawa sa plaster at hindi ginawa sa pamilyar na bronze na bersyon nito hanggang 1931, pagkatapos ng pagkamatay ng artist noong 1916 bilang miyembro ng isang Italian artillery regiment noong World War I.

Larawan: Courtesy CC/Flickr/Steve Guttman NYC

Ipinanganak sa Romania, si Brancusi ay isa sa pinakamahalagang iskultor ng modernismo noong unang bahagi ng ika-20 siglo—at sa katunayan, isa sa pinakamahalagang pigura sa buong kasaysayan ng eskultura. Isang uri ng proto-minimalist, si Brancusi ay kumuha ng mga anyo mula sa kalikasan at pinasimple ang mga ito sa mga abstract na representasyon. Ang kanyang istilo ay naiimpluwensyahan ng katutubong sining ng kanyang tinubuang-bayan, na madalas na nagtatampok ng makulay na mga geometric na pattern at inilarawang mga motif. Wala rin siyang ginawang pagkakaiba sa pagitan ng bagay at base, tinatrato ang mga ito, sa ilang partikular na mga kaso, bilang mapagpapalit na mga bahagi—isang diskarte na kumakatawan sa isang mahalagang pahinga sa mga tradisyon ng sculptural. Ang iconic na piraso na ito ay larawan ng kanyang modelo at manliligaw, si Margit Pogány, isang Hungarian art student na nakilala niya sa Paris noong 1910. Ang unang pag-ulit ay inukit sa marmol, na sinusundan ng isang kopya ng plaster kung saan ginawa ang tansong ito. Ang plaster mismo ay ipinakita sa New York sa maalamat na Armory Show ng 1913, kung saan kinukutya at kinukutya ito ng mga kritiko. Ngunit ito rin ang pinaka-reproduced na piraso sa palabas. Brancusi ay nagtrabaho sa iba't ibang bersyon ngMlle Poganysa loob ng mga 20 taon.

Larawan: Courtesy The Museum of Modern Art

Gulong ng Bisikletaay itinuturing na una sa mga rebolusyonaryong handa ng Duchamp. Gayunpaman, nang makumpleto niya ang piraso sa kanyang studio sa Paris, talagang wala siyang ideya kung ano ang itatawag dito. "Nagkaroon ako ng masayang ideya na ikabit ang isang gulong ng bisikleta sa isang upuan sa kusina at panoorin itong lumiko," sasabihin ni Duchamp sa kalaunan. Tumagal ng 1915 na paglalakbay sa New York, at pagkakalantad sa malawak na output ng lungsod ng mga factory-built na kalakal, para mabuo ni Duchamp ang readymade na termino. Higit sa lahat, sinimulan niyang makita na ang paggawa ng sining sa tradisyonal, handcrafted na paraan ay tila walang kabuluhan sa Industrial Age. Bakit mag-abala, sinabi niya, kung ang malawak na magagamit na mga manufactured item ay maaaring gawin ang trabaho. Para kay Duchamp, ang ideya sa likod ng likhang sining ay mas mahalaga kaysa sa kung paano ito ginawa. Ang paniwala na ito—marahil ang unang tunay na halimbawa ng Conceptual Art—ay lubos na magbabago sa kasaysayan ng sining sa hinaharap. Katulad ng isang ordinaryong bagay sa bahay, gayunpaman, ang orihinalGulong ng Bisikletahindi nakaligtas: Ang bersyon na ito ay talagang isang replika na mula noong 1951.

Larawan: Whitney Museum of American Art, © 2019 Calder Foundation, New York/Artists Rights Society (ARS), New York

Isang minamahal na kabit ng permanenteng koleksyon ng Whitney Museum,Ang Circus ni Caldernililinis ang mapaglarong diwa na dinala ni Alexander Calder (1898–1976) bilang isang pintor na tumulong sa paghubog ng ika-20 iskultura.Sirko, na nilikha noong panahon ng artist sa Paris, ay hindi gaanong abstract kaysa sa kanyang nakasabit na "mga mobile," ngunit sa sarili nitong paraan, ito ay kasing kinetic: Pangunahing gawa sa alambre at kahoy,Sirkonagsilbing centerpiece para sa mga improvisational na pagtatanghal, kung saan si Calder ay gumagalaw sa iba't ibang mga figure na naglalarawan ng mga contortionist, sword swallowers, lion tamers, atbp., tulad ng maka-diyos na ringmaster.

Larawan: Courtesy The J. Paul Getty Museum

Bilang pintor at taga-disenyo ng tapiserya pati na rin ang iskultor, ang French artist na si Aristide Maillol (1861–1944) ay maaaring pinakamahusay na mailarawan bilang isang modernong Neo-Classicist na naglagay ng streamline, 20th-century spin sa tradisyonal na Greco-Roman statuary. Maaari din siyang ilarawan bilang isang radikal na konserbatibo, bagaman dapat tandaan na kahit ang mga avant-garde na kontemporaryo tulad ni Picasso ay gumawa ng mga gawa sa isang adaptasyon ng Neo-Classical na istilo pagkatapos ng World War I. Ang paksa ni Maillol ay ang babaeng hubo't hubad, at saL'Air, nakagawa siya ng kaibahan sa pagitan ng materyal na masa ng kanyang paksa, at ang paraan ng paglitaw nito na lumulutang sa kalawakan—pagbabalanse, kumbaga, matigas na pisikalidad na may nawawalang presensya.

Larawan: Courtesy CC/Flickr/C-Monster

Isang Japanese artist na nagtatrabaho sa maraming medium, si Kusama ay dumating sa New York noong 1957 at bumalik sa Japan noong 1972. Pansamantala, itinatag niya ang kanyang sarili bilang isang pangunahing figure ng downtown scene, isa na ang sining ay nakaantig sa maraming base, kabilang ang Pop Art, Minimalism at Sining ng Pagganap. Bilang isang babaeng artista na madalas na tumutukoy sa sekswalidad ng babae, siya rin ay isang pasimula ng Feminist Art. Ang gawain ni Kusama ay kadalasang nailalarawan sa pamamagitan ng mga hallucinogenic na pattern at pag-uulit ng mga anyo, isang proclivity na nag-ugat sa ilang sikolohikal na kondisyon—mga guni-guni, OCD—na dinanas niya mula pagkabata. Ang lahat ng aspetong ito ng sining at buhay ni Kusuma ay makikita sa gawaing ito, kung saan ang isang ordinaryong, upholstered na madaling upuan ay hindi kilalang-kilala ng isang mala-salot na pagsiklab ng phallic protuberances na gawa sa tinahi na pinalamanan na tela.

Larawan: Whitney Museum of American Art, New York, © 2019 Estate of Marisol/ Albright-Knox Art Gallery/Artists Rights Society (ARS), New York

Kilala lamang sa kanyang unang pangalan, si Marisol Escobar (1930–2016) ay ipinanganak sa Paris sa mga magulang na Venezuelan. Bilang isang artista, naging nauugnay siya sa Pop Art at nang maglaon ay Op Art, bagaman ayon sa istilo, hindi siya kabilang sa alinmang grupo. Sa halip, lumikha siya ng makasagisag na tableaux na sinadya bilang feminist satires ng mga tungkulin ng kasarian, tanyag na tao at kayamanan. SaBabae at Asotinatanggap niya ang objectification ng mga kababaihan, at ang paraan na ginagamit ng lalaki ang mga pamantayan ng pagkababae upang pilitin silang sumunod.

Larawan: Courtesy CC/Flickr/Rocor

Ang Brillo Box ay marahil ang pinakakilala sa isang serye ng mga sculptural na gawa na nilikha ni Warhol noong kalagitnaan ng '60s, na epektibong nagsagawa ng kanyang pagsisiyasat sa pop culture sa tatlong dimensyon. Totoo sa pangalang ibinigay ni Warhol sa kanyang studio—ang Pabrika—ang artista ay umupa ng mga karpintero para gumawa ng isang uri ng assembly line, na pinagsasama-sama ang mga kahoy na kahon sa hugis ng mga karton para sa iba't ibang produkto, kabilang ang Heinz Ketchup, Kellogg's Corn Flakes at Campbell's Soup, bilang well Brillo soap pads. Pagkatapos ay pininturahan niya ang bawat kahon ng isang kulay na tumutugma sa orihinal (puti sa kaso ng Brillo) bago idagdag ang pangalan ng produkto at logo sa silkscreen. Ginawa nang maramihan, ang mga kahon ay madalas na ipinapakita sa malalaking stack, na epektibong ginagawa ang anumang gallery na kinaroroonan nila sa isang mataas na kultural na facsimile ng isang warehouse. Ang kanilang hugis at seryeng produksyon ay marahil ay isang tango sa—o parody ng—sa noon-nascent na istilong Minimalist. Ngunit ang tunay na punto ngKahon ng Brilloay kung paano binabalewala ng malapit na pagtatantya nito sa tunay na bagay ang mga artistikong kombensiyon, sa pamamagitan ng pagpapahiwatig na walang tunay na pagkakaiba sa pagitan ng mga manufactured goods at trabaho mula sa studio ng isang artist.

Larawan: Courtesy CC/Flickr/Esther Westerveld

Ang pangalan ni Donald Judd ay kasingkahulugan ng Minimal Art, ang kilusan sa kalagitnaan ng dekada '60 na nagpadalisay sa rasyonalistang pilit ng modernismo upang maipakita ang mga mahahalagang bagay. Para kay Judd, ang iskultura ay nangangahulugan ng paglalahad ng konkretong presensya ng gawa sa kalawakan. Ang ideyang ito ay inilarawan sa pamamagitan ng terminong, "tiyak na bagay," at habang tinanggap ito ng iba pang mga Minimalist, masasabing ibinigay ni Judd ang ideya ng pinakadalisay na pagpapahayag nito sa pamamagitan ng paggamit ng kahon bilang kanyang signature form. Tulad ng Warhol, ginawa niya ang mga ito bilang paulit-ulit na mga yunit, gamit ang mga materyales at pamamaraan na hiniram mula sa industriyal na katha. Hindi tulad ng mga sopas ng Warhol at Marilyns, ang sining ni Judd ay walang tinutukoy sa labas ng sarili nito. Ang kanyang "mga stack," ay kabilang sa kanyang pinakakilalang mga piraso. Ang bawat isa ay binubuo ng isang grupo ng magkaparehong mababaw na mga kahon na gawa sa galvanized sheet metal, na nakausli mula sa dingding upang lumikha ng isang hanay ng mga elementong pantay-pantay ang pagitan. Ngunit si Judd, na nagsimula bilang isang pintor, ay interesado rin sa kulay at texture gaya ng kanyang anyo, tulad ng nakikita dito sa pamamagitan ng green-tinted na auto-body lacquer na inilapat sa harap na mukha ng bawat kahon. Nagbibigay ang interplay ng kulay at materyal ni JuddWalang Pamagat (Stack)isang maselan na kagandahan na nagpapalambot sa abstract absolutism nito.

Larawan: Courtesy CC/Flickr/Rocor

Tulad ng Benglis, si Hesse ay isang babaeng artista na nag-filter ng Postminimalism sa pamamagitan ng isang arguably feminist prism. Isang Hudyo na tumakas sa Nazi Germany noong bata pa, nag-explore siya ng mga organikong anyo, na lumilikha ng mga piraso sa pang-industriyang fiberglass, latex at lubid na pumukaw sa balat o laman, ari at iba pang bahagi ng katawan. Dahil sa kanyang background, nakatutukso na makakita ng undercurrent ng trauma o pagkabalisa sa mga gawang tulad nito.

Larawan: Courtesy The Museum of Modern Art

Kasunod nina Judd at Flavin, isang grupo ng mga artista ang umalis mula sa Minimalism's aesthetic of clean lines. Bilang bahagi ng henerasyong ito ng Postminimalist, inilagay ni Richard Serra ang konsepto ng partikular na bagay sa mga steroid, na lubhang pinalaki ang sukat at bigat nito, at ginagawang mahalaga ang mga batas ng grabidad sa ideya. Lumikha siya ng walang katiyakan na pagbabalanse ng mga bakal o lead plate at tubo na tumitimbang ng tonelada, na nagkaroon ng epekto ng pagbibigay ng pakiramdam ng banta sa trabaho. (Sa dalawang pagkakataon, ang mga rigger na nag-i-install ng mga piraso ng Serra ay napatay o napinsala nang aksidenteng bumagsak ang trabaho.) Sa nakalipas na mga dekada, ang gawa ni Serra ay nagpatibay ng isang curvilinear refinement na naging dahilan upang ito ay napakapopular, ngunit sa unang bahagi, gumagana tulad ng One Ton Prop (House of Cards), na nagtatampok ng apat na lead plate na nakadikit, ay nagpahayag ng kanyang mga alalahanin nang may malupit na tuwiran.

Larawan: Courtesy CC/Wikimedia Commons/Soren.harward/Robert Smithson

Kasunod ng pangkalahatang countercultural trend noong 1960s at 1970s, nagsimulang mag-alsa ang mga artist laban sa komersyalismo ng mundo ng gallery, na bumuo ng mga radikal na bagong anyo ng sining tulad ng mga earthwork. Kilala rin bilang land art, ang nangungunang figure ng genre ay si Robert Smithson (1938–1973), na, kasama ang mga artista tulad nina Michael Heizer, Walter De Maria at James Turrel, ay nakipagsapalaran sa mga disyerto ng Kanlurang Estados Unidos upang lumikha ng mga monumental na gawa na kumilos kasabay ng kanilang kapaligiran. Ang diskarteng ito na partikular sa site, kung paano ito tinawag, ay kadalasang gumagamit ng mga materyales na direktang kinuha mula sa landscape. Ganito ang kaso sa Smithson'sSpiral Jetty, na tumutusok sa Great Salt Lake ng Utah mula sa Rozel Point sa hilagang-silangang baybayin ng lawa. Gawa sa putik, mga kristal ng asin at basalt na kinuha sa site,Mga panukalang Spiral Jetty1,500 by 15 feet. Ito ay nakalubog sa ilalim ng lawa sa loob ng mga dekada hanggang sa isang tagtuyot noong unang bahagi ng 2000s ay muling nagdala nito sa ibabaw. Noong 2017,Spiral Jettyay pinangalanang opisyal na likhang sining ng Utah.

Larawan: Courtesy CC/Wikimedia Commons/FLICKR/Pierre Metivier

Ang signature work ng French-born artist,Gagambaay nilikha noong kalagitnaan ng 1990s nang si Bourgeois (1911-2010) ay nasa kanyang otsenta. Ito ay umiiral sa maraming bersyon ng iba't ibang sukat, kabilang ang ilan na napakalaki.Gagambaay sinadya bilang isang pagpupugay sa ina ng artist, isang tapestry restorer (kaya't ang parunggit sa hilig ng arachnid sa pag-ikot ng mga web).

Shutterstock

Nagwagi ng prestihiyosong Turner Prize noong 1994, si Antony Gormley ay isa sa mga pinakatanyag na kontemporaryong iskultor sa UK, ngunit kilala rin siya sa buong mundo para sa kanyang natatanging pananaw sa matalinghagang sining, kung saan nakabatay ang malawak na pagkakaiba-iba sa sukat at istilo, para sa karamihan, sa parehong template: Isang cast ng sariling katawan ng artist. Totoo iyan sa napakalaking winged monument na ito na matatagpuan malapit sa bayan ng Gateshead sa hilagang-silangan ng England. Nakatayo sa kahabaan ng isang pangunahing highway,Anghelpumailanglang hanggang 66 talampakan ang taas at sumasaklaw ng 177 talampakan ang lapad mula sa dulo ng pakpak hanggang dulo ng pakpak. Ayon sa Gormley, ang gawain ay sinadya bilang isang uri ng simbolikong marker sa pagitan ng industriyal na nakaraan ng Britain (ang iskultura ay matatagpuan sa bansang karbon ng Inglatera, ang puso ng Industrial Revolution) at ang hinaharap nitong post-industrial.

Sa kagandahang-loob ng CC/Flickr/Richard Howe

Magiliw na tinawag na "The Bean" ng mga taga-Chicago para sa baluktot nitong ellipsoidal form,Cloud Gate, ang pampublikong sining centerpiece ni Anish Kapoor para sa Millennium Park ng Second City, ay parehong likhang sining at arkitektura, na nagbibigay ng Instagram-ready archway para sa mga Sunday stroller at iba pang bisita sa parke. Ginawa mula sa salamin na bakal,Cloud GateAng fun-house reflectivity at malakihan nito ay ginagawa itong pinakakilalang piraso ng Kapoor.

Sa kagandahang-loob ng artist at Greene Naftali, New York

Pinagsasama ng gawa ni Rachel Harrison ang isang ganap na pormalismo na may kakayahan sa pag-imbak ng mga tila abstract na elemento na may maraming kahulugan, kabilang ang mga pampulitikang. Matindi niyang tinatanong ang monumentality at ang panlalaking prerogative na kasama nito. Nililikha ni Harrison ang karamihan sa kanyang mga eskultura sa pamamagitan ng pagsasalansan at pag-aayos ng mga bloke o slab ng Styrofoam, bago takpan ang mga ito sa kumbinasyon ng semento at mapintura ang pag-unlad. Ang cherry sa itaas ay isang uri ng nahanap na bagay, nag-iisa man o kasama ng iba. Ang isang pangunahing halimbawa ay ang mannequin na ito sa ibabaw ng isang pinahabang, pintura-splashed form. Nakasuot ng kapa, at nakatalikod na maskara ni Abraham Lincoln, ipinadala ng akda ang teorya ng kasaysayan ng dakilang tao kasama ang pagpukaw nito sa mananakop ng Sinaunang Daigdig na nakatayong matangkad sa isang kulay clown na bato.